SONIDOS AHOGADOS

Sonidos ahogados. David Catá, 2013

El joven fotógrafo David Catá (1998) se cose a su gente bajo la piel de sus manos a modo de recuerdo, como queda patente en su serie A flor de piel, proyecto que le ha valido para darse a conocer internacionalmente.

Pero será Sonidos ahogados la fotografía que más me atrae del artista gallego.

"Mi sueño era ser compositor" refleja en su biografía. A pesar de que la música pasará a un segundo plano en su vida, en esta imagen consigue darle toda la importancia que realmente queda latente en él.

RETRATO DE FOTÓGRAFA

Diane Arbus. Eva Rubinstein, 1971

Este retrato lo extraigo del libro biográfico "Diane Arbus", escrito por Patricia Bosworth. 

Lo que me atrae doblemente, en este caso, es el pie de foto que le acompaña en el libro citado: Diane en 1971, fotografiada por Eva Rubinstein. Diane le había dado a Eva una tarea: "tomar una fotografía de algo o alguien que nunca hayas fotografiado o que te dé miedo o que te intimide...". 

Eva Rubinstein (1933) fue colaboradora de Diane Arbus (1923-1971). Ambas son relevantes en la historia de la fotografía universal.

DIBUJAR CON LA CÁMARA

Q.Khamm, 2008

Esta fotografía fue el regalo de unos amigos que la adquirieron en un mercadillo de Vietnam.

La sutileza de líneas que se aprecia en ella hizo que dudase, en un principio, de que se tratara de un dibujo realizado con tinta china.

La imagen es del lago Hoan Kiem, en Hanoi. 

"RINGL+PIT" ESTUDIO FOTOGRÁFICO

Ellen Auerbach y Grete Stern en Nueva York, 1992

Grete Stern (1904-1999) y Ellen Auerbach (1906-2004) montaron el estudio fotográfico "Ringl+Pit" en Berlín, alrededor de 1930.

Los caracteres dispares de ambas artistas aportaron una visión común a su trabajo capaz de impresionar al público con sus fotografías.

Se especializaron en retrato y fotografía publicitaria, pero a la Alemania nazi no le agradó un estudio creado por dos mujeres, judías y artistas. Así pues, tuvieron que cerrar en 1933 y emigrar (Auerbach a Palestina, Stern a Londres), continuando su obra por separado.

LA FUERZA DE LA MÚSICA

Andrew McConnell, 2010

Esta fotografía, realizada por el reportero irlandés Andrew McConnell (1977), fue merecedora del World Press Photo de Arte en 2010.

"Joséphine Nsimba Mpongo, de 37 años, toca el violonchelo en Kinshasa (Congo). Es miembro de la Orquesta Sinfónica de Kimbanguiste (osk), la única orquesta sinfónica en África central. Durante el día, Joséphine vende huevos en el Gran Mercado de Kinshasa y por la tarde ensaya con la orquesta. La osk fue fundada en 1994 por Armand Diangienda, su director actual. Inicialmente sólo una docena de músicos compartían los escasos instrumentos que tenían a su disposición. Hoy en día, la osk puede reunir hasta 200 músicos para dar un concierto. La mayoría de ellos son aficionados autodidactas que durante el día tienen trabajos en toda la ciudad".

http://www.worldpressphoto.org/photo/2011andrewmcconnellae-1?gallery=890

LA PRIMERA EN COLOR

Tartan Ribbon. James Clerk Maxwell, 1861.

El interés de esta imagen surge al ser considerada la primera fotografía en color de la historia.

Su autor, el físico británico James Clerk Maxwell, con la ayuda del fotógrafo Thomas Sutton, ideó tomar tres imágenes del mismo motivo usando cada vez un color de filtro diferente (rojo, verde y azul). Con la superposición de todas ellas obtuvieron la imagen.

Las tres placas fotográficas tomadas por Sutton se encuentran expuestas en un pequeño museo de Edimburgo.

LOS DOS QUE FUERON ROBERT CAPA

Gerda Taro. André Friedmann en el frente de Segovia, 1936.

André Friedmann. Gerda Taro en el frente de Córdoba, 1937.

El amor, la guerra y la fotografía unió los nombres del húngaro André Friedmann (1913-1954) y la alemana Gerda Taro (1910-1937) en uno solo: Robert Capa. Este seudónimo fue el que utilizaron conjuntamente en sus trabajos, a pesar de que se le ha atribuido mayoritariamente a él.

Comprometidos con su tiempo, cubrieron la Guerra Civil española consiguiendo imágenes de auténtico impacto visual y muy valiosas como documento. 

Tras la muerte de Taro en el conflicto español, Friedmann siguió trabajando en diversas contiendas hasta que corrió la misma suerte que ella, en la Primera Guerra de Indochina.

Famosa fue su frase: "Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, es que no estás lo suficientemente cerca".

LA MAGIA DE LA FOTOGRAFÍA

Fernando Marcos, 2002

El fotógrafo Fernando Marcos hace auténtica magia con su sensible mirada al lograr detener en sus fotografías un arte tan efímero como es el de la danza.

Me he decantado por la elección de esta fotografía, entre todo su trabajo, debido a la repercusión que suscitó ya que mereció el World Press Photo de Arte 2002. 

La escena corresponde a la coreografía White Darkness creada por Nacho Duato para la Compañía Nacional de Danza donde una cascada de sal llueve sobre la bailarina Emmanuelle Broncin.
Todo un deleite para nuestros ojos. 

UN FOTÓGRAFO DE MONTPARNASSE

Émile Savitry. Anouk Aimée y su gato Tulipe, 1947

Esta fotografía pertenece a la última exposición que he visto: Émile Savitry. Un fotógrafo de Montparnasse, sita en el MUVIM, hasta el 6 de noviembre de 2011.  

Savitry (1903-1967) fotografió el París del período de entreguerras. Sus imágenes captaron talleres de artistas, rodajes de películas y bellos rincones de la ciudad que contrastan con la serie que obtuvo sobre los republicanos en Perpiñán. 

El claroscuro que reflejan alguna de sus fotografías las convierte en poesía.

LA INTENCIÓN DEL DISPARO

Thomas Bachler.

Curioso es el trabajo del alemán Thomas Bachler (1961). Utiliza el disparo de forma literal.

Su producción artística consiste en la toma de fotografías disparando a la cámara estenopeica que previamente ha colocado frente al sujeto que pretende fotografiar, provocando el paso de la luz y la consiguiente fijación de la imagen en el papel fotosentible del interior.

De esta acción resultan retratos atravesados por un agujero de bala, su intención es potenciar e innovar con un medio tan primitivo como es la caja oscura.

FOTOGRAFÍA TAURINA

Anya Bartels-Suermondt. José Tomás.

Siempre he creído que el mundo del toreo está repleto de momentos singulares que emanan bellas imágenes, con ello no quiero polemizar sobre la conveniencia o no de erradicar las corridas de toros.

La fotógrafa alemana Anya Bartels-Suermondt interpreta los detalles visuales que ofrece la lidia del toro congelando instantes precisos convirtiéndolos en arte.

FOTOGRAFÍAS ENLATADAS

Un gesto tan primitivo en la fotografía como introducir un papel fotosensible en una caja negra con un pequeño orificio por el que pase la luz, es la base del trabajo que realiza el grupo FOTOLATERAS.

Marinela y Lola se sirven de latas metálicas para fabricar sus propias cámaras estenopeicas con las que consiguen peculiares y atrayentes fotografías.

(Lata en la zona inferior de la fotografía)

Fotolateras. Panini-Pizza.
(Fotografía obtenida con la lata de la imagen anterior)

PEOPLE HAVE THE POWER

La casualidad quiso unir las vidas del fotógrafo Robert Mapplethorpe (1946-1989) y la cantante Patti Smith (1946) en el verano de 1967.
Ambos compartieron penalidades y contratiempos en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, la alianza que surgió entre ellos al aunar el arte, el amor y la amistad diseñó su propio poder ante la vida, aupándoles a la fama gracias a su trabajo; él con sus fotografías y ella con sus canciones, los dos con el sentimiento.

El vídeo que he realizado para esta entrada contiene imágenes de la pareja y el audio People have the power, un himno a la igualdad escrito e interpretado por la artista.

FOTOGRAFÍA POÉTICA



Chema Madoz. Sin título.

 

Difícil labor la de elegir una fotografía del madrileño Chema Madoz (1958), cada una de ellas habla por sí sola.

Su estilo particular, cuya seña de indentidad es el resultado de combinar cierto guiño de surrealimo con el trabajo en blanco y negro, hace que sus imágenes sean fácilmente reconocibles por el público.

Como dato anecdótico reseñaré que es uno de los fotógrafos profesionales que, a día de hoy, sigue trabajando en analógico.

PATRIMONIO FOTOGRÁFICO

Laboratorio fotográfico de los hermanos Alinari, 1899 

El Museo Nacional Alinari de la Fotografía (MNAF), ubicado en la ciudad italiana de Florencia, es una de las instituciones dedicadas a la salvaguarda y divulgación del patrimonio fotográfico.

La colección Alinari tiene un legado de millones de negativos y cientos de miles de copias positivas (al papel salado, a la albúmina, al bromuro, calotipos, daguerrotipos...), otros tantos álbumes originales de época, así como una completísima colección de cámaras fotográficas. 

La fundación también se dedica a la conservación y restauración de originales, actividad de reciente actualidad si tenemos en cuenta que fue alrededor de 1980 cuando se empezó a dar importancia patrimonial a la fotografía y tener consciencia de conservación fotográfica. 

FRANCESCA WOODMAN

Autorretrato con trece años, 1972

Entonces hubo un momento en el que no necesitaba traducir las notas: iban directamente a mis manos, 1976

Autoengaño 1, 1978

Sin título, 1979

Estos cuatro autorretratos son de la fotógrafa Francesca Woodman (1958-1981).
Su corta vida y su extensa obra, más de 800 imágenes celosamente custodiadas por sus padres, la sitúan ya entre los mitos de la fotografía del siglo XX.

Sus fotografías son sensibles e intensas, parecen tener vida propia.

El cuerpo es uno de los temas centrales que se observa en las escenas que retrata y ella será su propio modelo cientos de veces, sin llegar a caer en el narcisismo.
En cierta ocasión le preguntaron por qué se hacía tantas fotos de sí misma, ella respondió: "Es una cuestión de conveniencia; yo siempre estoy disponible". 

EL MONTAJE EXPOSITIVO

Edward Steichen. Greta Garbo, 1928

La exposición Una epopeya fotográfica fue la primera gran retrospectiva póstuma de Edward Steichen (1879-1973), realizada en el MNCARS.

En ella tuve la oportunidad de apreciar la delicadeza con que se trató el montaje expositivo. El equipo encargado de su diseño utilizó una tonalidad roja para dar color a todas las paredes que albergaban las imágenes expuestas.

El retrato de la actriz Greta Garbo ocupaba una de las paredes coloradas, sin ser acosado por ningún otro elemento, dándole así toda la envergadura que se merecía.

LA SOLEDAD DEL CORREDOR DE FONDO



Los Ángeles, 1984



Esta fotografía muestra la exhausta llegada a meta de la corredora suiza Gabriella Andersen tras recorrer los 42km. 195m. del maratón, disputado en las Olimpiadas de Los Ángeles en 1984.

La incluyo porque es una de las primeras imágenes deportivas más impactantes que recuerdo.

El maratón femenino debutó aquel año como prueba olímpica y no será tan rememorado por ello como por la fuerza de voluntad de esta atleta, que supo combinar el reto personal con el afán de superación para alcanzar su único objetivo: cruzar la línea de meta. 

"LO TUYO ES DIFERENTE; TIENES LA FOTOGRAFÍA"



Alberto García-Álix

Alberto García-Álix (1956) es el fotógrafo, por antonomasia, de la movida madrileña de los años '80. Cronista de un tiempo en el que imperaba el sexo, la droga y el rock and roll.

Este autorretrato en movimiento es un espejo de aquel momento en que se vivía a gran velocidad.  

La disciplina de la fotografía, junto con la soledad y rutina del cuarto oscuro (revelador, paro, fijador), le salvó del mundo exterior que tanto le asustaba, dándole sentido a su vida y convirtiéndole en uno de los más importantes fotógrafos contemporáneos.

Ya se lo vaticinó su hermano pequeño antes de morir de sobredosis: "Lo tuyo es diferente; tienes la fotografía".

EL INSTANTE DECISIVO

Cartier-Bresson. Giacometti, 1961

El maestro indiscutible en conquistar el "instante decisivo" fue el francés Cartier-Bresson (1908-2004), término que acuñó en su libro Images à la sauvette.

Este credo de su fotografía quedó captado en la imagen de Alberto Giacometti. En ella se observa el momento en que el artista parece una réplica de sus esculturas durante el montaje de una exposición.

ELOGIO DE LA SENCILLEZ

Ramón Masats. Tomelloso (Ciudad Real), 1959

Un gesto tan sencillo como el de esta mujer trazando la separación entre su casa y la calle, llena de atractivo la historia de la fotografía documental española, de la mano de Ramón Masats (1931). Fotógrafo con portentosas dotes para el reportaje y con un talento innato para captar la realidad sin maquillarla.

FOTOGRAFÍA EMERGENTE



Germán Gómez. De padres y de hijos, ESTUDIO VI-II, 2010



El modo de elaborar que tiene Germán Gómez (1972) sus fotografías (corta, cose, dibuja, remacha...) hace que les confiera un carácter tridimensional, rozando lo escultórico, convirtiéndolas en piezas únicas. Si a ello le unimos su particular sensibilidad, nos encontramos con proyectos repletos de una belleza cautivadora.

Este trabajo ordenado y coherente ha conseguido que su trayectoria vaya in crescendo desde su inicio y quede reflejado en diversos premios y numerosas exposiciones por todo el mundo.

Se sirve del retrato de su gente para elaborar su propia historia como podemos apreciar en el Estudio VI-II perteneciente a su último proyecto De padres y de hijos.

LA MAGNITUD DE LO PEQUEÑO

Uno de los factores que ha influido en la elección de esta fotografía es lo anecdótico de haberla encontrado en el Rastro de Valencia hace unos meses, a pesar de su reducido tamaño (4x6cm.), entre montones de imágenes revueltas sin clasificación alguna.

Por otra parte, la escena cotidiana que se asoma en ella, unida al anonimato de su autor, hace aumentar su magnitud.

EL ATRACTIVO DE LO ESPONTÁNEO



Annie Leibovitz. Susan en la casa de Hedges Lane, 1988.

La fotógrafa Annie Leibovitz (1949) ha retratado a Demi Moore, Whoopi Goldberg y Nicole Kidman, entre otras muchas celebridades del cine; ha pintado con su objetivo a la mismísima Reina Isabel II como hubiera aspirado cualquier artista del Renacimiento, y a John Lennon le fotografió desnudo horas antes de ser asesinado. No obstante, es un retrato que le hizo a Susan Sontag  el que incluyo en esta ocasión: una espontánea instantánea personal repleta de intimidad.
Fue la escritora quien advirtió a Leibovitz: "Eres buena fotógrafa, pero podrías ser mejor". Ella espera haberlo conseguido fusionando los encargos oficiales con las historias personales que ha ido captando su cámara.

LA PRIMERA





Niépce. Punto de vista desde la ventana del Gras, 1826

 La fotografía elegida para iniciar este álbum particular tiene el atractivo de ser considerada la más antigua que se conoce. Su autor fue el francés Joseph-Nicéphore Niépce (1765-1833) y exigió unas ocho horas de exposición. 

Cabe matizar que durante años se consideró como primera fotografía la de un bodegón, realizada por el propio Niépce, datada en 1822, del que se conserva una reproducción de 1851. La fotografía original desapareció tras ser prestada para una exposición.